油画作品临帖欣赏范文 第一篇

浅谈民间美术色彩对油画创作的启示

摘要：民间美术的色彩语言是当代油画创作中的宝贵源泉，中国民间艺术为油画创作提供了丰富的养料，将民间美术的精髓发扬光大，从而增强民族自信心、自尊心及民族凝聚力，必将打开当今油画创作的新局面。

关键词：民间色彩;油画创作;启示

民间美术的色彩语言是当代油画创作中的宝贵源泉，对于其色彩元素的挖掘探索，有助于激发创作灵感，有助于色彩语言对本土油画创作思路的开启，具有重要现实价值。首先，吸取民间美术中的营养不但可以实现当代油画作品的创新要求和审美需求，而且可以促进民族化、本土化油画的发展;其次，在油画创作中运用民间美术的色彩语言，有利于保护和发展民间美术，弘扬民族文化精神;再次，研究民间美术在油画创作中的应用，必定能促进当代油画创作本土化理论向纵深发展，对中国当代油画创作起到里程碑的作用。

1 油画创作研究及其现状分析

距今400年前，意大利xxx士利玛窦等人来华传教，把欧洲油画作品带进中国。油画在中国经历了几个世纪的发展，当代油画呈多流派多姿态发展趋势，但艺术商品化的趋向越来越明显，商业对于油画艺术起着过多的干预和引导作用。人们忙于赚钱的同时，只顾标新立异，推陈出新，中国油画艺术在这种环境中发展着。取得的成绩是瞩目的，但仍然有一些问题存在着。

缺乏民族性

油画这颗种子已然在中华文化这篇肥沃的土地上生根发芽，从世界的范围的全局来审视目前中国当代的油画创作，不难发现民族特色的元素在当代油画创作中是相对匮乏的。我国目前油画作品大部分同出一辙，民族个性表现不足，其原因是受西方绘画思想的影响，照搬甚至抄袭西方的形式太多，画家没有立足本土语言，不懂得运用富有民族文化特征的表现方式和手段来创作，因此油画作品普遍存在着缺乏民族特点和民族文化特色的现象。“洋为中用，古为今用”不无道理，中国油画创作要想异军突起，必须以中国人自己的语言、方式去表现中国人自己的作品，并广为传播，使之发扬光大。

绘画技术与艺术舍本求末

技术形式的多种多样是值得提倡的，技术上的成熟所带来的艺术上的成功也是显而易见的，但技术是一把双刃剑，它在跟人类带来巨大便利的同时，弊端也会接踵而至。各种各样的绘画方式、材料技法在一次次的大型美展中令我们大饱眼福，绘画的目的是要令我们享受艺术性而非技术性，技术不过是绘画的手段，而艺术才是目的，而当今对技术的崇拜热情大大的盖过了对艺术的崇拜。

油画作为西方绘画的主要形式，经过艺术家们多年的探索，当代油画得到了公众一定程度上的认可和喜爱，当代油画势头发展迅猛，在当今这个百花齐放的年代，各种油画样式不断出现，当代油画家越来越注重从民间艺术形式(尤其是色彩中)摄取营养。

2 民间色彩元素的特征

装饰性

民间艺人色彩的运用上表现出单纯、明快、纯净、装饰性的色彩特征，民间美术的审美上，侧重于质朴与和谐，色彩边角都透露出装饰的趣味性，整体的感觉是既大胆又讲究，既艳丽红火而又组织有序，利用色彩强烈的补色，高纯度色相的对比原则，取得饱满的色彩视觉心理效果。

主观性

中国民间美术的色彩主要是根据各个民族的生活环境、审美情趣、民俗等各个方面的因素决定的，其总体趋势是大红大绿，老百姓认为大红大绿代表着吉祥如意，同时是一种积极热烈的视觉心理反映，色彩在民间美术中具有主观性特征，民间艺人不按照西方色彩规律和自然中的真实来上色，主要是凭着自己的感觉，民间艺人眼中的世界天可以是绿的，水可以是红的，大地可以是紫的。西方印象派的大师梵高、塞尚等人就着力于主观运用色彩，描绘心中向往的色彩。

象征性

在以《周易》・阴阳五行为基础形成的中国传统哲学观念的影响下，色彩被纳入阴阳五行学说的理论体系，形成色彩的青・白・赤・黑・黄五色，此五种颜色有高下等级的划分和特殊的象征意义，有的颜色还有严格的使用禁忌?色彩最能吸引人奇特的想象，例如京剧脸谱中黑为刚正不阿，白为阴险狡诈，红色为忠勇侠义，蓝色为刚强阴险，黄色为勇猛而爆躁等。民间美术中色彩是一种心理暗示，色彩可以表示大吉大利，祈福迎祥，描绘人物性格本质。色彩超出了自然本质。

3 民间美术色彩在油画创作的应用

主观性色彩在油画创作的应用

西方立体主义大师xxx的作品，其中色彩大都单纯、明快、纯净，整体风格极具装饰性特征，其中大型的军事题材壁画《格尔尼卡》，其中只运用了单纯的黑、白、灰三色，具有强烈、明快、单纯、质朴的美感特质和感染力，而这种感染力中国传统黑白木刻也能达到这样的艺术层次。当今很多油画艺术家为了得到理想的画面效果，在当今这个标榜个性的年代，主观色彩的表达成为了艺术家实现绘画理想的主要途径。随着社会的发展，油画作为一种越来越为人们接受的一种绘画形式，其商业价值也与日俱增。人们在选择绘画作品时，“吉祥如意”是决定人们喜恶的首要标准，民间美术色彩中的色彩大都含有吉祥喜庆的寓意，由于艺术上的相通性，使民间美术的色彩与油画创作的中的主观色彩产生了相互借鉴的机遇，油画创作完全可以从民间美术色彩丰富的土壤中汲取养料，从而为油画打上民族化的烙印。民间美术中的主观性色彩是人民大众在生活中总结出来的，体现了人民大众的精神需求，给予了我们油画创作灵感的启迪。

艳丽和谐的色彩对油画创作的启示

民间美术的色彩运用补色、高纯度的色相对比原则，色彩艳丽但不失和谐。大众喜爱的色彩，往往是比较单纯的颜色，不同程度的色相对比，可以满足大众对色彩的不同审美要求。补色在民间美术中运用广泛，例如宗教意味浓厚的西藏唐卡，装饰性强的户县农民画，都充分体现了我国人民朦胧的补色感知。中国油画虽然是借鉴西方绘画的一种绘画形式，但西方印象派大师梵高、莫奈等人，运用强烈的对比色彩描绘空气和大自然，我们中国民间美术的色彩丝毫不输西方，现当代很多画家喜欢明亮的色彩完全可以从民间美术的对比色中吸取经验。中国民间美术的设色规律与西方主张奔放的用色极为相似，十分为现当代油画创作所用。

色彩象征意义对油画创作的启示

民间美术色彩的形成是对于历史文化内容、人文精神的高度提炼，民间美术本身是伴随生产活动和民族习俗而存在的，它表达的是人们对生活的美好愿望，对未来的期望。由于文化的差异，色彩所传达的含义也是不一样的，在油画创作上如果我们一味秉承西方绘画理念那必将有失民族化个性，失去赖以生存的文化空间。现代油画创作应充分考虑民间美术的色彩象征意义，可以使用象征意义来表达概念，使人的情感和色彩在画面上交融出来，产生表达民族精神的绘画品质。

综上所述，中国民间艺术为油画创作提供了丰富的养料，在强调绘画个性的艺术世界里，强调民族个性不容小觑，我们不能单纯的描绘民间美术色彩的表象，透过现象看本质，才能创造出具有民族精神的油画，从而达到既民族又国际的绘画效果，将民间美术的精髓发扬光大，从而增强民族自信心、自尊心及民族凝聚力。

4 结束语

作为当代油画绘画专业一名学生，应充分利用好这一有利条件，绘画个体是需要依附于主体而存在的，我们的民族主体蕴含着巨大的能量，单纯的依附西方绘画知识是难以生存的，立足于自己的根本，才可以在绘画这条道路上有所作为。

参考文献：

[1] 孙建君.中国民间美术史教程[M].天津人民出版社，2005.

[2] 靳之林.中国民间美术[M].北京：五洲传播出版社，2004.

[3] xxx举，闫平.色彩印象语言[M].上海书画出版社，2006.猜你喜欢：

油画作品临帖欣赏范文 第二篇

（一）形成初期

据史料记载，在十四世纪之前，油画还没有产生，人们在作画时采用的是最为简单的“调和法”，“调和”的材料主要是“颜料”“蜡”“动物胶”，有的人则将“颜料”和“蛋黄”搅拌在一起。直到十四世纪末和十五世纪初，荷兰的凡·爱克兄弟充分借鉴了前人的作画经验，并进行了多次的实验，发现了一种新的“调和剂”，即亚麻油、核桃油。用这二者进行油画创作，其优点较多：一是颜料干燥，时间适中；二是颜料干透后牢固性强，色彩相对稳定；三是画面保存期久，在创作油画时也相对便捷。正因为如此，这种“调和剂”瞬间传遍了欧洲各个角落。后来，随着时代的变迁，十六世纪的威尼斯画派人物提香把目光转移到了“色彩”的运用上，注重以“色彩”来表现“形体”，同时，强调了对古典油画中人物内心世界的洞悉和挖掘。在表现手法上，提香没有依赖于“线条”来塑造画面形象，其重点在于依靠“色彩”来表现自己的画中内容，一举促成了欧洲古典油画初期的形成。

（二）发展时期

到了十七世纪，欧洲古典油画取得了迅猛发展的惊人时期，其在各个国家都呈现出了蓬勃发展的繁荣景象。在当时，各国画家都能从自身生活实际出发，从多个角度来深挖欧洲古典油画的文化特质，大大地拓宽了古典油画的题材范围，既提及历史等内容，也包含个人或群体肖像，还涉及风景画和各民族民间风俗画。在绘画技巧上，更是日益成熟，进而形成了不同的欧洲古典油画学术流派。法兰德斯的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支都发展了提香的油画技法，能够熟练地将“素描”与“色彩”进行相结合，且自成油画技艺体系，足以说明其古典油画创作水平的高超。之后，意大利的卡拉瓦乔强化了古典油画的“明暗强度对比”，使油画中的光线更加强烈；西班牙的格列柯采用了凝重的色彩，令各种色彩相互挤压渗透，扑朔迷离，极其富有神秘感；荷兰的伦勃朗注重人物精神状态的展示等，都使欧洲古典油画艺术的发展更上一层楼。

（三）新古典主义时期

从十八世纪开始，欧洲油画进入了新古典主义时期，一直持续到十九世纪初，这股思潮在人类绘画艺术史上留下了辉煌的一页。在当时，欧洲新古典油画以法国古典主义思潮最为流行，曾盛行一时，后来又逐渐地发展成官方学院派艺术，其经典之处在于对“素描感”与“塑造感”的追求。大体上讲，欧洲新古典主义油画旨在深层次地挖掘古典油画艺术的“理想美”，既重视对“古典风格”的追求，又强调“理性”与“自然”的完美结合。在代表人物方面，欧洲新古典主义油画的代表人物是大卫，其贡献尤为突出，而最后一位官方学院派的古典主义大师是安格尔，其作品也受到了世人的喜爱，也为欧洲古典油画艺术划上了完美的句号。

油画作品临帖欣赏范文 第三篇

（一）画面构图 每一件优越美术作品，无论是油画、水墨画、水彩画、胶彩 画或相片，其先决条件必是「构图」。一张油画在创作前必 须拟设特殊「美感」、具有风格之景象做为创作之意境。而 画面上之「构图」应重视前景、中景、后景、（或上、中、 下之分）之层次表达。画面整体联系、以及每部为之相互关 系，调配是重要条件。

（二）色彩观念 色调以光线明暗、彩度之强弱为油画之生命，一张完美的油 画作品，必然其色调之表现、颜色之彩度、光线之明暗，均 赖以彩色运作之变化无穷，以彩度魅力呈现于画布上，更能 显示出画家的崇高理念。因此在整体画面上必须顾虑到每处 部位，色与色之间运作，高彩度画面，充满了作品本身之生 命力与活跃气息。 所以一张完整油画，必须有计划性，多次在原画面上做其色 调配运作，才能呈现其色调运作效果。

（三） 适当之绘画技巧运作 一张油画作品，除了能以完整构图，即相称之配色及强烈彩 度外，需注意到画家下笔之粗、细，广层面之处理、细线条 之力向运作；熟练之笔触，能控制整张画面。融合于作品中， 表达「优美」、之感。此及美术创作最高境界。（依赖作画 经验陶冶出来）往往有些画家为求作品之质性，偶而以画刀、 精笔、细笔、松笔等巧妙技术之描画、或重点毅力之强调， 助长了其作品之特征。又以彩度之变化层次，彩色间交互配 作，让画面更呈显出高雅之感。

（五） 作品须「有感情」、「有爱」 当我们欣赏油画作品中，会产生爱慕之意、亲切感与热情， 并真正流露出「真」、「善」、「美」的意境，自然回归人 类爱美的天性。虽然画家以表达自己创作心意而经过多方运 作呈现作品，但倘若其作品让大众共同感到厌恶，就是画家 技巧再好，也未必能被接受。因此笔者认为一优秀作品必须 要有「爱」有「感情」。相信画家本身必能与自己的作品「相 恋」、「拥抱」，欣赏者也必然从画中分享到其境真正爱与 感性之意味，正是一件乐趣的最高享受。 综合上列数点作画过程，年轻时经过许多师长教导、以及长 期观摩古今中外名作，并以自己五十年作画心得领悟到的浅 见。最后笔者愿以一般平常人所最容易接触的大自然为我们 创作与欣赏最佳景象作介绍，因为大自然充满了「美」、「生 命」、「活力」、「万物景观」，是最活生生的绘画题材， 更是人类无穷的宝藏。我应该珍惜爱护这个大环境，更希望 它永垂不朽。

油画作品临帖欣赏范文 第四篇

傍晚，天空上飘起了红丝绸，那湛蓝的天空晕上了淡淡的红晕，就连清澈的溪水也泛起了点点红波。归鸦急急匆匆朝窠里飞去，风将太阳吹下了山，人们陆陆续续赶回了家。

不知是哪位顽皮的孩子打翻了黑墨水，已是深红的天空逐渐变成了深黑。爱美的小姑娘拿来了亮片，撒在天空上。我将月亮贴在天空上，躺在月下看星星。

风像一个醉汉跑来跑去，我们冷得直哆嗦，站起来跑回了家。树叶摇曳着，月亮升得高高的，勉强可以看到暗黄的菜地，像有一块大黑布盖在上面。淡淡云纱衬托起月亮，好不漂亮。我们坐在床上，窗户是画框，月夜是油画，我们欣赏油画。

“你们知道月亮里住着谁呀？”外婆问。

“我知道，我知道，是嫦娥！”我兴奋地说。

“我还知道，嫦娥有只玉兔！”姐姐骄傲极了。

夜深了，我们不舍地盖上了被子。可一听外婆说谁先睡着明天有糖吃，便迅速入梦了。梦里，我看到一轮明月高高地挂在空中。

油画作品临帖欣赏范文 第五篇

浅谈民族民间美术色彩对现代中国油画的影响

摘要：民族、民间艺术是劳动人民在劳动过程中，用他们的智慧创造的富有生命力的艺术，它融于人们的衣食住行、节日风俗、人文礼仪和信仰禁忌之中。是民族民间文化的活化石，是历史文化的重要组成部分。从油画民族化的角度出发，对于传统文化的借鉴和运用，有着多种多样的方式和途径，而对民间艺术的吸收与转化即是其中之一。我国的民间美术色彩对现代中国油画影响表现在以下几个方面。

关键词：民间;美术色彩;中国油画

一、民间美术色彩的装饰性对现代中国油画的影响

装饰性是我国的民间美术色彩主要特征之一，特别是装饰节日的民间年画作品，其设色是极富代表性的，用色艳丽浓烈、丰富鲜明，突出吉祥喜庆、红火热闹的气氛。民间陶瓷色泽浓丽，色彩采用单色平涂，画工精细，用色具有强烈的装饰性。

我国的著名油画家刘秉江的油画，他所画的油画大多数都具有很强的装饰性和民族民间艺术气息。最具代表性的是他1986年获法国ARTS TIQUE DULYS沙龙奖章油画《会舞蹈的裸女》，整个画面都是以红、绿、蓝、黄等颜色交替布局，颜色艳丽非常具有装饰感。背景也犹如一幅中国民间刺绣的地毯，大都有用民族图案来装饰更增加了民族文化的氛围和浓郁的地域色彩。刘秉江的画大多都应用了许多强烈、丰富的色彩，搭配得完美和谐、自然生动，把画面表现得栩栩如生，装饰性极强，给人带来丰富的视觉效果，还有很多油画家象罗尔纯等对色彩的利用都极富装饰性。

二、民间美术色彩的象征寓意性对现代中国油画的影响

色彩是具有象征性的。当人们看到某种色彩的时候，往往联想到某种具体的事物，例如:人们看见绿色，往往联想到草原、森林等，会产生自由、蓬勃的感觉。红色使人联想起太阳、血液、火焰，象征着喜悦、热情，红色是中国人最为喜爱的色彩。在长期的社会生活中，中国民众对五色赋予了特殊的情感和象征意味，五色成为一种象征性的符号一直沿用至今，形成了民间色彩最典型的象征寓意性特征。红色、黄色代表着喜庆，代表着皇权。中国明清皇家建筑以红黄为主色调，其庄严、华贵、震慑的色彩象征意义不言而喻。平民百姓日常生活中所用的红纸喜字、红棉袄、红蜡烛、红春联、红鞭炮、红寿字、红布鞋都说明了红色作为喜庆的象征。

京剧脸谱中的色彩运用也是象征性的符号。我们可以从用色口诀“红色忠勇白为奸，黑为刚直青勇敢;黄色猛烈草莽蓝，绿是侠野粉老年;金银二色色泽亮，专画妖魔鬼神判”中体会象征的意味，我国的民间艺人在对作品色彩象征性的运用中提炼出很多经典语录。

油画家砂金先生的许多作品称为《游春系列》，其实应该称为《马的系列》。马，是内蒙古草原的精灵和象征。游春系列——白色的马，在童年的一片黑沉沉中，梦里一匹乃曼其的白马，飞鬃疾驰而来，像透过黑色地平线的一朵白云，像一颗流星般的游弋火焰。他的作品大多用色都比较艳丽简单对比强烈给人一种冲击感，而画面中的马象征意味浓烈。青年美术家李学峰。他的《吉祥蒙古——博克系列》这一系列的油画都是以大红作为背景大绿大蓝作为人物颜色，这种强烈的对比给人视觉上无比猛烈的冲击，但仔细看整个画面的颜色布局和人物造型，却又释放出让人感到喜庆舒服的气息。这两位画家都从阴山岩画，寺庙壁画中吸取和借鉴民间艺人色彩象征性手法的运用。其他象画家钱流，顾黎明等都在这方面进行大胆实践，画出了一大批优秀作品。

三、民间美术色彩的主观表现性对现代中国油画的影响

由于民间的普通老百姓没有经过正规的色彩教学训练，所以在创作作品时，色彩的搭配不依存事物的表象而凭着自己主观的内心感受大胆变色。老百姓中流传着一句口头禅：“红红绿绿，图个吉利”，这句话作为一般的民间美术的用色要诀，道出了整个民间美术的色彩特征。“图个吉利”是传统民间文化的审美观，体现了色彩的主观性;“红红绿绿”是色彩的视觉观感，是一种积极的、热烈的视觉心理反应，同时也是吉祥、喜庆的象征性语言。艺人们从实际感受出发，从人生实际的层面来阐释“吉利”所包含的意义。在广大民众心目中，吉利总是和得子、意寿、纳福招财、避邪消灾等基本生活需要和世俗意愿交织重叠在一起的。传统年画也有类似的配色口诀“红兼黄，喜煞娘”“红陪绿，看不够”“要求扬，一片黄”等都体现了这种心理，画面色调处处充满了主观的浪漫色彩气息。在中国传统建筑雕梁画柱中，在屋檐下的民间故事描绘中，在壁画，泥塑等艺术作品中对色彩的运用大胆而主观。

现代也有很多的油画家如：陈钧德《净云高秋冬》就以红绿、蓝橙、紫黄等高纯度高明度的补色来表现。顾黎明的《神茶——线版，黄色版》就以大面积偏冷的灰色来衬出小面积张扬的黄色，在视觉上给人强烈冲击。老一辈油画家沙耆，吴大羽等在这方面都有巨大成就。

四、民间美术色彩的地域差异性对现代中国油画的影响

民间美术的形成和发展受地域性影响，受地缘因素、生产及生活因素的制约，由此而形成地域风貌。俗话说“十里不同俗”，我们的祖国地大物博，东南西北的地理、气候、环境、物产差异极大，各民族有各自的节日和习俗，文化形态的发展也千差万别，所以产生的民间美术也丰富多彩。色彩作为民间美术的表现形式之一，从而也随着地域不同具有独特的地方特色。各少数民族都有自己的色彩喜好，对本民族的油画家的影响也是巨大的，这些画家在本民族文化传统中吸取营养，形成自己独有的艺术语言。内蒙古的妥木斯，西藏的尼玛泽仁，新疆的克里木，云南的乔晓光等。

综上所述，民间美术色彩是一种文化语言，历代传承的色彩选择习俗赋予民间色彩独特风格，是供人愉悦的色彩，富有深刻的文化意蕴和丰富的历史内容。这些共性影响到了现代一大部分的油画家。除了文章中有提到的还有吴冠中、xxx群、赵无极等知名人物。这些油画家们充分利用到了民族民间色彩，体会到其中强大的财富用自己的语言和方法来表现出自己内心的感受。大部分人都能够从画面感受到艺术家的内心。这种民族气息就是人们的共鸣点。那么这些艺术家也会取得成功，也会走得更远。对民间美术色彩特征的研究是我们进一步深刻了解古代美术、继承发展民族美术非常有用的价值，特别是今天绘画艺术正向多元化的趋势发展，使得油画和民族民间色彩需相互渗透和借鉴，这对现代油画家们就更加重要了。

参考文献：

[1]吴静宏.浅谈中国民间美术色彩特征[J].美术大观,2009.

[2]靳之林.中国民间美术[M].五洲传播出版社,2004.

[3]伊琰.浅谈我国民间美术[J].安阳师范学院学报,2010,(3).

油画作品临帖欣赏范文 第六篇

艺术节到了，我对艺术节的思念全都展开了！

静校时，徐老师说绘画在三年(2)班，一下课我就狂奔跑去，跟在领队员------苏晨瑶后面，到了三年（2）班，我觉得它们班级很吵，吵得很想捂住耳朵，可是就算捂住耳朵也无法抵挡住那么大的声音。叮------叮，上课铃声响了，我立马回到位子上，忽然教室里变得鸦雀无声，原来老师来了，然后发纸给我们，我画了两个女孩：一个在跳绳，一个在踢足球，玩得非常开心！后面是操场，有一个男孩和一个女孩在跑步，旁边是教学楼。这幅画主色是绿色，因为如果查看我的画是一位戴眼镜的老师，那天看我的画眼睛就不会疲劳的。

当我把这幅画交上去时，我的心一直在怦怦跳，害怕不能获奖，因为我把我所有希望都寄托在这幅画上，只希望能取得好成绩而已！因为二年级时我获了二等奖，所以我要得到一等奖！

油画作品临帖欣赏范文 第七篇

（一）油画的选材

欧洲古典油画的艺术魅力在于其艺术表现的独特性，其中，一个明显的艺术表现在油画的选材方面。一般来说，欧洲古典油画注重整个画面的“明度对比”，以至于“色彩”的运用相对单一，主要以“素描”为中心，“色彩”为辅，确保整个形体看起来比较“真实”。在具体的绘画过程中，古典画家经常会采用“明调”与“暗调”相结合的手法，以此实现古典油画创作的“整体性”效果。正因为其选材独特，使中国现代油画也在很大程度上借鉴了其绘画色调的一些创作特色。比如，《蓝衣少女》就以“欧洲古典油画”的形式进行作画，侧光层次感强，同时，带有一定的厚重感，运用“树叶”来陪衬整体画面效果。这样一来，可以让观众看到以拉斐尔为代表的前派古典油画创作的影子。

（二）油画的构图

与中国油画艺术不同，欧洲古典油画创作注重“构图”的含蓄性，强调了对人物姿态的合理构造。大体上讲，欧洲古典油画在构图方面呈现出了“沉稳”的基调，形成了“金字塔式”的构图，总是能向观众展示出以“正侧面半身坐姿”为主的画面人物动态。从欧洲古典油画的构图形式来讲，着重强调了对人物的“脸部”“胸部”“手”等的描绘，同时，在画面结构上做好布置好色彩，突出色块的独特性，以便让整个油画的结构给人带来一种“主次分明”的感觉。例如，在欧洲古典油画作品《蒙娜丽莎》中，就是采用这样的油画构图艺术表现方法，才使画中的人物形象更富有活力，给人带来一种无比美的视觉感，可以说，“空气透视法”是《蒙娜丽莎》独特的画面塑造技巧。

（三）颜色的穿插

欧洲古典油画的艺术表现在色彩运用上也十分突出，尤其是在罩染过程中对颜色的穿插显得格外成功。在颜色的穿插方面，强调了色彩不能单独地形成画面效果，而要与其他色彩联系起来，相互映衬，共同突出油画作品的色彩表达效果。例如，在欧洲古典油画的底层涂罩时，其颜色要擦入笔触，往往通过底层肌理的起伏来填入颜色，最终目标是为了形成“相互交织”的颜色变色格调。实际上，这种色彩也被称之为“色垢”，是伦勃朗的古典油画创作技巧的重要特色，该技巧强调了绘画人员要擅长使用“软布”“海绵”“手”等辅助物来擦色、抹色和揉色。值得注意的是，罩染时，不可填入“白色”，原因是一旦填入“白色”，就会让色彩丧失透明度。

（四）画面的保护

当然，一幅古典油画作品的成功完成，耗尽了画家的许多心血，确实是一件不容易的事情，这就要求做好油画画面的保护工作。其实，欧洲古典油画的画面保护也呈现出了自身独有的艺术表现力，最早是通过“干性油”来保护画面，其效果在于能让画面更富有光泽，增强其鲜明度。后来，随着社会的发展，欧洲古典油画画家则开始使用“相互融合的颜料”，即“油料”与“颜料”混为一体，然后，在画面底子上作画。最为重要的是，“干性油”的保护法丰富了欧洲古典油画画家的创作技法，以至于形成了“透明”与“半透明”的画法都离不开“油料”的配合，这些都是保护欧洲古典油画画面的重要艺术技法。

油画作品临帖欣赏范文 第八篇

在外婆家的壁橱里，全家的碗层层叠叠垒成一个个鳞次栉比的圆柱体，被压在全家碗的最底层的便是那只我最喜爱的蓝花碗，它好像一幢高层建筑的基础和底座，承载着大厦所有的重量，但它是那样的坚实可靠，又是那样的靓丽夺目。

蓝花碗是外婆家里最大最美的一只碗。它比土碗瓷白，也更细腻，碗肚上还勾勒了几笔粗糙浓淡不一的蓝花，它如一朵硕大的玉兰花，发出细腻柔和的瓷光，那瓷白的光芒如同少女洁净的牙齿。

在日常生活中，蓝花碗并不是“可远观而不可亵玩”的工艺品，而是丰富和帮助我们全家日常生活的“小帮手”！

就从每天必做的开始吧！蓝花碗是盛菜盛饭的大碗，里面总是装着香甜可口的大米饭抑或是营养丰富的菜肴，它很大，无疑就可以装很多好吃的东西，它很美，无疑就放在桌子的正中央，如一朵灿然的玉兰花在怒放。到了过年过节，外婆就把它拭得净亮，那样子就更显得璀璨夺目。

多上连绵细雨的春季，外婆家的屋檐就会有些漏水，就拿这只大大的“盆子”却接水，“嘀—嗒—嘀—嗒”连绵的小小珠落进蓝花碗里，就不会再把原本就阴暗潮湿的面弄得越发严重了，蓝花碗的底座深深地凹下去，这样就可以多接一些雨水，下雨天气外婆也不担心了。

我和小伙伴经常在停电的时候，把碗翻转过来，底座朝上，上面点上一些小小的蜡烛，它的底面光滑，所以蜡烛就很自觉的被我插上去，我不敢说它很净，但它一定被我拿去经常利用，直到有一天，我不小心把它打碎了，它还被外婆拾去一块，咝咝地刨起丝瓜来，饭桌有些偏动，便捡了一块碎片实实得垫在桌脚底下，稳稳得很这蓝花碗还真是“鞠躬尽瘁，死而后已”。

外婆家的蓝花碗，我童年的记忆，还有那晶莹伤心的瓷白光芒。

油画作品临帖欣赏范文 第九篇

美术欣赏课在中学教育中的意义

【摘要】美术欣赏课在中学教学中的宗旨是能够培养学生的自我意识、精神和能力的创新，包括解决实际问题的能力，强调学生对美的理解和创造美的能力；重视教师教学技巧的运用；结合现代教学和多媒体设备的使用，从而促进中学美术教学向更高层次发展，全面提升学生的整体教育质量的提高。

【关键词】美术欣赏课；中学教育；美术教育

欣赏美术与进行美术都是创造的过程，整个美术欣赏过程是对欣赏者创造能力培养的一个经历路程。在美术欣赏过程中，欣赏者面对作品时，会产生各种形象特征明显的视觉感受，所以自然而然的就会使欣赏者产生种种有关于各种事物或场景等的联系与想象，从而使欣赏者在自己的这种想象与关联之中产生作品的共鸣感。而这种共鸣感则是来自于欣赏者通过对艺术者所创造出的艺术作品的感受、想象、深入体验和理解等一系列的视觉性思维活动。

一、美术欣赏课的概念

所谓欣赏，作为欣赏者来说，一幅作品表现形式往往在画面上具有生动性，某一方面上容易触动观者记忆当中的某些形象画面，且作品往往来源于从生活，能够反映人们生活的真实写照，满足人们从某一感情程度上的内心情感。因为艺术形式的不同，所以对人的影响也是多方面的，从某种意义上来说，如果没有艺术欣赏，就不会有艺术教育。艺术教育作为我们的基础教育课程，是促进学生全面发展、提高学生审美的一个重要途径，也是培养个性，发展智力的方式。

二、中学美术教育的特点

美术教育是一门发展审美能力和陶冶情操的技术性学科。在美术教育进程中，情感投入是必要的环节。情感投入，一方面是教师能够把所讲述内容的情感倾注于美术课堂之中，另一方面能够引导学生学会去欣赏、体会美术作品的精神和情感。在美术课教室里,教师可以选择一些课程资源,比如剪纸或泥塑，剪纸或泥塑相对而言艺术感染力浓厚，比较浅显易懂，更容易激发学生的学习兴趣，学生的自发性学习的成效会更好，从而达到事半功倍的效果。同时也可以加入课堂户外教学，让学生体验和感受大自然的艺术魅力。在这种多样化教学中，可以丰富教学内容，同时形成一种与时俱进的创新型美术教学。

三、美术欣赏课在中学教育中的意义

通过教学实习，笔者发现学生对美术欣赏课重视程度不够，并且兴趣不高，甚至感到美术欣赏课是在耽误时间。因此，我们应该在教育上摒弃传统的教学模式，探究新方法，让学生真正明白在中学教育中开设美术欣赏课的意义所在。

（一）提高学生的素质教育

随着国家对教育教学改革的不断深化，培养德、智、体、美、劳全面发展的人才已成为教育教学的目标所在。美术欣赏课在素质教育体系中也起到了至关重要的作用。美术欣赏课，不仅可以提高艺术类学生的兴趣，也可以使学生能够更好的理解和认识美术作品，提高对美术作品的鉴赏和欣赏能力。

（二）提升学生的审美能力

众所周知，在当今这样一个五彩斑斓的社会生活中，处处都有美的存在，也处处存在着欣赏美的人。欣赏是一种审美能力，欣赏优秀的美术作品，往往能引起人们内心情感的共鸣。我们在教学过程中可以运用直观的教学用具、模型、范画、多媒体、幻灯片等，帮助学生培养感知艺术美的能力，提升学生对艺术作品的审美能力。

（三）培养学生的艺术素养

从一定意义上说，美术欣赏与美术教育是相辅相成的。美术通过作用于人的情感，从而改变人的思想，进而影响社会。美术教育可以培养性格,启迪智慧,促进学生的全面发展。

（四）促进学生的身心成长

《美术课程标准》中指出“人的全面发展是人类努力追求的教育理想，美术课程不仅作为美育的一个重要门类促进这一理想的实现，而且，美术课程本身就包含情感与理性的因素、脑力与体力的因素，所以在促进人的全面发展方面，其作用是独特的。”[1]（p89）。如学生可以把自己的想象力运用在美术课上，利用可循环再造的废物等拼贴画或制作自己喜欢的作品，从而丰富了课堂生活，促使学生体验到美术活动的乐趣，学会了如何通过艺术的方式来表达自己的感受和想法。

（五）开阔学生的眼界和扩大知识领域

人类生活的世界是广阔无垠和无比丰富的，对于每一幅美术作品来说，内容也是丰富多彩的，不管是从历史背景、创作理念还是其他方面来讲，每一幅画都有不同的故事和感受。欣赏任何一幅美术作品，都可以让我们接触到一些平时涉及不到的领域，同时可以陶冶学生的情操，对学生正确认识真善美和提高精神境界有极大的促进作用。

（六）与各学科之间相辅相成

看似独立的美术欣赏课，实际上是一门多样性的科目，它与其他很多学科都有着密切联系。诸如欣赏一幅历史题材的绘画作品，从中不仅可以看到色彩、构图等方面的运用，还能从中认识到画面故事当中的历史背景、政治因素等。在欣赏过程中需要一个人充分发挥自己各方面的智力因素，如观察能力、逻辑思维能力、想象力等以及非智力因素当中的思想、情感、道德素养、兴趣爱好、意志、性格、毅力、信心等。所以说，美术与各学科之间是相辅相成、互相作用联系的。

结语

美术欣赏课是提高中学生整体素质的宝贵资源，是完善素质教育的重要环节。通过美术欣赏课可以使学生产生情感上的共鸣，培养学生对生活和自然环境的热爱，激发学生的创造力，提高学生的综合知识素养，让学生能通过微妙和温柔的情感表达出具体的艺术作品，使他们形成正确的审美观念，从而帮助学生更好的成长。

参考文献：

[1]xxx教育部.美术课程标准[M].北京:北京师范大学出版社,2011.

[2]万庆华.中国当代文艺理论探索书系—艺术欣赏[M].山东:山东美术出版社,2012.

油画作品临帖欣赏范文 第十篇

在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。我常常是对自己尝试性的作品充满兴趣，却又不时地怀疑和否定。探索，否定，再探索，这样反复地进行着。从生活中搜集创作素材是创作的原则。回忆起过去许多年里，常常是带着一个概念下去，带着一些为概念搜集的素材回来。把自己的感情管制起来，这样就无心去感受生活中的美。带着一把感受以外的尺子，在生活中量来量去，要发现可画的题材实在比沙里淘金还困难。

去年秋天，我横穿了几千里的锡林郭勒大草原，通常认为这地区是内蒙古牧区的典型。这里没有高压线，没有电灯，没有电视机??生活是流动的。然而，正是在这些并不先进的生活中，普遍存在着的形象和它们呈现出的色彩，构成了草原上特有的美。空旷的天然牧场，多变的景象，质朴憨厚的牧民，古老的蒙古包，牲口拉着生活必需品的各种车辆，乘骑的马、挤奶的牛，平凡的劳动场景以及牧民们淳朴而真挚的情感??。我怀着由衷的兴趣和激动心情，画出了一批作品。

生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。喜好和表现方式也因人而异。从离开美术学院走上工作岗位时起，我就开始在艺术创作中有意识地从我们民族文化中吸收营养。油画引进后，要成为中国的油画，这个问题是一个由来已久的议题了。其实，我觉得争论的意义远不如实践更实际些。

我曾经想从年画中吸取点东西。建军五十年时那幅《讲形势》就是这种尝试。整个画面减弱了光的影响，色彩更纯一点，运用了许多装饰图案。建国三十年美展的《牧马人》也是一种尝试，主要是运用了一些有变化的线，色彩上用了较淡的、弱的对比，这样好突出线。有挤压出的线，勾出的线，粗笔逆锋推出的线，刮刀抹出的线。后来，试着在风景画中吸收大写意的韵致和对形的认识与处理方法，想画得有点神、意。但中国画中那种意到笔不到的情趣总是出不来，画人就更棘手了，画面上的素描稿，用颜色画起来就填上框子了。回想起过去看过老国画家们的花鸟、山水写意画的作画过程，觉得他们对所描绘对象的形与神是吃透了的，下笔的时候，不是表面上看到的从无到有的过程，而是胸有成竹，然后落笔成形，以形写神。每个局部之间都是有机地联系着的，都服从一个总的神韵和节奏的要求。在这总的要求下，这种笔味墨趣也自然能运用得当了。另一个特点是不离开表现对象而搞笔墨趣味。每放一笔，是笔墨，也是形的一部分。油画如能吸收这种技艺，并结合油画的色彩造型，也许会出现新的面貌。

大量地连续地作画，对我的实践很有好处。不断地画，不断地思考，随时调整自己的画法，随时补充一些新的设想，随时试验。首先，很认真地推敲素描的小草图，把画面的构图安排，人物的形象特征、神情、动态都考虑成熟，再设计色彩关系等，当一切都做到心中有数后，动油画刷子就大胆了，也主动了。这次的人物画《春》、《隔代人》、《奶桶与姑娘》，就是这种尝试性的作品。

为了使画的对象更朴实、更粗犷一些，我从民间木版水印画（灶王爷、门神等）和泥娃娃之类民间工艺品中借鉴涂色办法，许多人物画上都有这种痕迹。《姐妹》一画的用色追求感觉上的饱满，巧合了民间“黄、红、绿、桂（品紫）”的色彩组合习惯。两个小姑娘的腰带、头巾正好是这四种颜色，其它都是纯白与灰。当然那四种有纯色感觉的颜色是经过调配的，这样就有点乡土气了。

这些尝试是二十年前学习的继续，六十年代初的油画研究班的教学，培养了学员们探索的风气。我愿意继续从生活中汲取灵感和不断地进行探索。

油画作品临帖欣赏范文 第十一篇

艺术节在我校的3月28号举行，每个同学都要参加一个项目。项目很多有“陶艺、文化衫、硬笔书法、摄影、手工、软笔书法、篆刻、国画、绘画”我毫不犹豫的选择了篆刻，在篆刻的这条“道路”上，并不只我一个人孤军奋战，还有张博宇、张康杰、包高源。

开始了，大家在4组字里都选择了“发奋图强”。

刻到一半，张博宇走来问我，正好周老师来了，说给我们拍个照。而张康杰在老师的镜头前摆造型，大显威风。我们刻完了，监考老师说先印在个人的纸上，再印团体纸上。我们4个人里就包高源自己印，其他人都是我帮他们印的。

4月2号，老师说艺术节名单出来了。放学后，老师把名单给我们看，我又得了个三等奖，4个人里就我和张康杰得了奖，我们还都是三等奖。而且，我去年也是三等奖。

我争取下个艺术节得个一等奖！

油画作品临帖欣赏范文 第十二篇

摘要：

美术欣赏是普通高校开设的选修课之一，是在美术课程学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。美术欣赏是一种创造性的精神活动和主体性的实践活动，是人们对艺术形象进行感受、理解和评判的思维活动。学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，能逐步提高自身的审美能力，对本民族文化产生热爱之情，并尊重和理解世界多元的文化。素质教育是以全面提高人的基本素质为根本目的，以尊重人的主体性和主动精神，以人的性格为基础，注重开发人的智慧潜能，以注重形成人的健全个性为根本特征的教育，而美术欣赏课在高校素质教育中具有重要的作用。

关键词：

美术欣赏课 素质教育 理解

19世纪法国雕塑家罗丹说过：“美是到处都有的。对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”现实生活中的美是丰富多彩、无穷无尽的，问题在于我们是否能够发现它。要欣赏音乐的美，必须有具备音乐感的耳朵；要欣赏绘画的美，必须有能感受形式美的眼睛。否则，再美的音乐和绘画也不能成为我们的审美对象，对我们也是毫无意义的。这就是说，我们要想发现美、欣赏美，就必须具备一定的审美能力。

实施美术教育是为了适应现代社会发展的需要，是对高等教育提出的新要求，是深化教育改革、推进素质教育的切入点，同时是提高学生审美能力、表现能力、创新能力的重要途径。教师要想培养学生的个性，使其有自己的主张和观点，充分挖掘其潜能，就要完善教学方法，进一步推进课程改革。

目前，美术欣赏课程在高校教育中教学效果欠佳，教学方式方法有待改进。普通高校的美术欣赏教学历史其实并不长，它不等同于专业美术院校的课程设置，有许多教学形式不能通用和照搬。素质教育不能被简单地理解为举办书画培训班，也不是不考试、不留作业。素质教育真正的内涵是培养学生健全的人格，促进其全面发展。笔者从事美术欣赏教学工作四年来，深切体会到现今部分普通高校的美术教学只侧重对学生技艺的培养，而忽视培养学生的知识、智力。

高校美术欣赏课的首要任务是培养学生正确的审美观。正确的审美观应该是符合人民大众的利益的，应该是健康、积极向上的，应该是符合审美规律和时代要求的。部分农学、林学等普通理工科学生虽然对美好的事物有一定的认知，但是他们对世界优秀美术作品的审美能力不强，部分学生接触过美术作品，但没有独立的审美意识，他们的审美经验来自大众和社会的评价。

因此，教师要引导学生学习美术，要通过讲解美术作品阐释美的形式、意义，逐渐培养学生独立审美的能力。教师要注重挖掘学生的灵感，培养其创造性，不断启发学生，并与学生展开讨论。

笔者认为，在美术欣赏教学中，教师除了要对学生进行必要的知识培养外，还应该特别重视培养学生自我观察、自我发现、自我整理、自我创造的能力，并且将之贯穿于整个教学活动中，使学生真正获得独立分析美术作品的能力，避免学生人云亦云而盲目跟风欣赏。

教师在培养美术专业学生时，应该给学生留下充足的空间，要百花齐放、标新立异。对待专业美术生尚且如此，那对于普通理工类学生就更应该给予宽松的学习环境。

靳尚谊认为，不重视德育，损害的是一代人的道德；不重视体育，损害的是一代人的身体；而不重视美育，损害的则是一代人的心灵，影响的是一个民族的精神、想象力和创造力。美术欣赏作为审美教育最直接的手段，也是实施人文素质教育的重要途径，具有重要的作用。高校美术欣赏教育要逐渐形成一套完善、有效的教学监管体制，明确培养目标、教学内容和教学计划，制订长远的课程规划，这样才能充分地发挥其作用。

结语

美育不仅仅是对美术作品的欣赏和学习，对德育、智育、体育都有积极的影响。教师利用优美、感人的艺术形象和丰富的艺术形式，可以帮助学生认识生活、理想和社会的发展，使他们受到生动的思想品德教育，促进他们身心健康发展，丰富他们的大学生活。

参考文献：

[1]孔新苗.中西美术比较。山东美术出版社，2008.

[2]赵勤国.绘画形式语言。黄河出版社，2003.

[3]（美）小威廉姆·E.多尔。课程愿景。张文军，译。教育科学出版社，2004.

油画作品临帖欣赏范文 第十三篇

在这个世界里，在我们的关于油画创作感想生活中，良多美妙的声音是我们听到的，但是也有良多声音是我们看到的，想像到的，我画的花卉就是我看到的美妙的声音，这些声音让我感觉到生命的语言，所以我禁不住把这样美妙的声音，无比动人的花语用色彩摆放在我的画布上，任凭涌动的心绪通过画笔、刮刀在画布上横涂竖抹。刀迹、笔痕交替游走，从构图到着色，从画面色层衔接到笔触变化，倘若间或有几笔似灵光闪现正合胸臆，心中便升腾起无边的快乐。

我会努力把喜爱的画家笔意带入，由于深知脱离前辈的积累乃无水之源。我喜欢对比色，柠檬黄加白的辉煌夺目，熟褐加土黄的沉稳而不失强烈热闹——这样的画面响亮打眼。我又会试图把每一幅作品拉开色调，争取给人以不同视觉感慨感染。刮刀是我的重要“武器”，我的画面中大部门竟会依赖它来完成。笔法的丰硕会让画面增色不少，追求多方向的笔触变化，画画对我来说是一种精神旅行，是件快乐的事。好与坏，只要真诚表达就行。

我热爱油画创作，喜欢以印象派表现手法来体现我的画风，那些沐浴在光线中的天然景色和光与色在瞬间相遇的感觉深深的吸引着我，我将尽可能的把这种瞬间感觉经验转化为感情状态。

我画花卉的时候感觉到，每一种花草都有自己的语言，都有自己的性格。花开花落都是诗一般的感觉，不管是娇艳迷人具有诱惑力的xxx花仍是出于淤泥而不染的荷花或是具有顽强生命力的格桑花，芦苇花，它们都用生命的语言诉说着自己的故事。我想画的不仅仅是花卉，人物，动物，风景等油画作品，而是但愿能把我看到，感慨感染到的各种可以表达思惟的声音用绘画的语言表现出来。我以为无声的语言是最丰硕的，由于它赋予我们无限无尽的想像空间。人的思惟是自由的，艺术发展没有底线，艺术的美与丑都因各个的赏识角度而不同。大芬村

糊口中我们所见的事物有太多次的打动，每一次另我们打动的事物我们都会用不同的方式把它们记实下来，我庆幸自己能用绘画的方式来表达思惟，也不断的在学习，巩固这项技能，但愿能更清晰的把绘画的思惟和语言传递给观赏者。我喜欢旅行，想在良多锦绣的地方都留下自己的足迹，想采摘更多的美景，更多美妙的感觉，让这些锦绣停留在我的画面上与热爱它们的人们共同分享，这该是我想不停的运用不同色彩和绘画方法在油画布上涂抹摆放的目的。艺术是人道的天然的流露，绘画作品是有感而生的产物，我所要达到的画面效

油画作品临帖欣赏范文 第十四篇

【摘 要】高中美术作品鉴赏重视民族精神教育，既是增强民族文化自信的需要，也是学生终身发展的需要。高中美术作品内容丰富，大量作品能体现中华民族精神的基本内涵。高中美术鉴赏要继承和发扬中华民族的优秀传统文化，要正确对待外来思想文化，要与时代精神相结合，从而弘扬和培育中华民族精神。

【关 键 词】高中美术；鉴赏； 民族精神

、教育部决定，从2004年开始，每年9月为“中小学弘扬和培育民族精神月”。作为普通高中课程的重要组成部分，高中美术鉴赏课能使学生较为全面地了解美术与自我、美术与自然、美术与社会等方面的关系，引导学生热爱祖国、理解文化艺术，在弘扬和培育民族精神方面发挥着独特的作用。美术鉴赏课重视民族精神教育，将对增强民族文化自信和学生的终身发展有十分重要的意义。

首先，弘扬和培育民族精神是增强民族文化自信的需要。民族文化，主要是指代表了民族意识、民族心理及其社会理想的精神性文化。民族精神是民族文化的灵魂。作为高中阶段的美术鉴赏课程，它对于提高学生的整体素质、发展的审美能力、培养学生的创新精神和实践能力具有积极的作用。因此，无论从爱国主义角度还是课程本身而言，都要积极培养学生善于学国传统文化的品质、体会祖国传统文化底蕴以及对世界多元文化的包容和尊重，锤炼充满理想、不断进取、乐观向上的信念，激发个体创造力，逐步确立民族文化自信。

其次，弘扬和培育民族精神教育是学生终身发展的需要。美术鉴赏课不仅要传授文化知识，提高学生的认识能力，还要发挥传承文化艺术、弘扬民族精神的作用，逐步树立建设中国特色社会主义的共同理想，初步形成正确的世界观、人生观、价值观，为终身发展奠定道德思想素质基础。这就要求美术课不仅要关注知识、能力目标的落实，而且要在教学中重视学生的情感因素，采取有效的方式落实情感、态度与价值观的教学目标，这同时也促进学生知识学习和能力的提高，内化为自己的精神，指导自己的言行。

当下，由于美术课不是高考科目，有的学校美术课时难以得到保障；有的教师不重视美术教学，更不愿意挖掘美术作品的深刻内涵，美术鉴赏课的德育功能难以发挥，人文精神和民族精神的教育功能也很难真正实现。

一、民族精神的基本内涵

民族精神渗透在整个民族文化的各个环节，贯穿整个民族历史发展的全过程，集中体现一个民族特有的精神品质。民族精神是一个民族赖以生存和发展的精神支柱和力量源泉，是民族思想道德素质的集中体现。在五千多年的发展过程中，中华民族形成了以爱国主义为优秀，团结统一、爱好和平、勤劳勇敢、自强不息的伟大民族精神。

二、民族精神的基本内涵在美术作品中的体现

我国的美术有着悠久的历史和辉煌的成就，与其他国家和民族的美术共同构成世界美术的多元化。美术是人类文化的重要组成部分，美术课程具有传承文化艺术的功能，而中华民族精神又深深植根于绵延数千年的优秀传统文化之中。因此，我国许多美术作品不仅有很高的艺术造诣，而且体现了中华民族精神的基本内涵。

1. 体现爱国主义为优秀的民族精神。爱国主义是中华民族精神的优秀，它贯穿民族精神的各个方面。爱国主义不是抽象的，而是具体的。作为中国人民千百年来形成的对祖国最深厚的感情，在不同历史时期有不同的具体内涵，但有共同的要求。高中美术鉴赏中徐悲鸿的《奔马》在表现手法上将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画，以使之具有面对现实能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立，人民从此当家作主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。教师在实际教学中，不仅要补充作品的创作背景，还要重点介绍徐悲鸿生平事迹，徐悲鸿的大量作品都饱含着他的爱国之情。

2. 体现团结统一的民族精神。中华民族的先民很早就认识到，在复杂多变的环境中，个体必须结成整体，才能求得生存和发展。这种整体意识在全民族得到普遍认同和升华，成为团结统一的精神。徐悲鸿的另一幅作品《愚公移山》创作于1940年，正值抗日战争进入最艰苦的阶段，徐悲鸿还在印度访问。1940年4月，徐悲鸿喜闻国内传来鄂北大捷，非常高兴，他感到只有团结起来，共同奋斗，积小胜为大胜，才能打败xxx主义，取得抗日战争的最后胜利。为此，他以中国传统故事“愚公移山”为素材，创作了一幅作品，以表达他的这种思想。

3. 体现爱好和平的民族精神。中华民族素来以热情好客、睦邻友好、崇尚交流著称于世，以“礼仪之邦”享誉于史。正是中国坚持和平发展道路，坚决反对霸权主义和强权政治，赢得了世界人民的广泛赞誉。高中美术鉴赏中有多幅作品体现爱好和平的民族精神。潘鹤、xxx庆等集体创作的雕塑《和平》就有深刻的民族精神的内涵。《和平》雕塑共有两件，一件置放在日本长崎市的和平公园，一件置放在北京复兴门大街。旨在让日本人民和政府以二战为鉴，前事不忘后事之师，推进中日友好关系，维护持久和平。作品以洁白的大理石为材料，用写实手法雕刻了一位身着中国衣裙的美丽少女，她长发如云，长裙曳地，形体完美，舒展双臂，回眸注视着落于臂上的白鸽，俨然是一尊护卫和平的圣洁女神，使人的心灵受到洗礼，感到和平之可贵。通过教师对作品的分析，向全体学生传达了作品的深刻内涵，进一步增强了爱好和平的民族精神教育。

4. 体现勤劳勇敢的民族精神。中华民族历来把吃苦耐劳、勤俭节约、艰苦朴素、不畏xxx、英勇顽强视为优良品格。正是这种勤劳勇敢精神，奠定了中华民族坚不可摧的立业根基。方增先于1955年创作的中国画《粒粒皆辛苦》就体现了中国农民吃苦耐劳、勤俭节约的优良品质。该作品画的是一位老农蹲在地上伸臂在捡拾地上的麦穗，其后是两辆装载满捆小麦的驴车，毛驴吃力地拉着向前。从老农左手拿着鞭子和两穗麦穗来看，显然他是随车而行，不时拾起地上的麦穗。此画充分地表达了农民珍惜粮食的情感，画家又以“粒粒皆辛苦”为题，旨在启迪观众。

5. 体现自强不息的民族精神。“天行健，君子以自强不息。”这反映了中华民族永无止境的创业追求、生生不息的精神动力。王文彬先生的油画《夯歌》表现了骄阳似火，晴空万里，一群朝气蓬勃的姑娘在水利工地的大坝上打夯。打夯本是繁重的体力劳动，而画面似歌伴夯起，歌伴夯落，具有音乐舞蹈的节奏美。作品又以仰视的角度，塑造了姑娘们自强不息、顶天立地、健康快乐的形象。通过作品分析，让学生更加明白追求自强不息的民族精神对他们的重要意义。面对繁重的学习任务，需要自强不息的精神；面对今后人生的创业，更需要自强不息的精神。

三、美术作品鉴赏教学要重视弘扬和培育民族精神

在实现中华民族伟大复兴的征程中，民族精神是中华民族的精神支柱，是中华民族自立于世界民族之林的精神基石。高中美术教学不仅要通过作品鉴赏让学生理解民族精神的基本内涵，更要在教学中弘扬和培育民族精神。

1. 弘扬和培育民族精神，要继承和发扬中华民族的优秀传统文化。民族精神，是一个民族在长期共同生活和社会实践基础上形成的优秀传统文化的结晶。《高中美术课程标准》在课程的基本理念中强调：“尤其要引导学生深入地了解我国优秀的民族、民间艺术，增强对祖国优秀文化的理解。”美术作品本是文化的载体，具有文化传承的功能。因此，在美术鉴赏教学时，要重视中国古代绘画、古代雕塑和古代工艺美术教学，了解创作意图，理解创作风格，挖掘文化和精神内涵，引导学生继承中国古代优秀传统文化，弘扬和培育民族精神。

2. 弘扬和培育民族精神，要正确对待外来思想文化。高中美术教材呈现了多幅外国巨匠的作品，这些作品提高学生对美术作品的内容、材料、形式、风格多样性的认识，使学生体验美术与生活的关系，陶冶审美情操，提高生活品质。我国的美术有着悠久的历史和辉煌的成就，与其他国家和民族的美术共同构成世界美术的多元化，因此要借鉴世界各国人民创作的优秀文明成果，尊重世界文化的多样性。与此同时，新课程标准也要求我们培养学生提高鉴别和判断能力，抵制不良文化的影响。

3. 弘扬和培育民族精神，要与时代精神相结合。以爱国主义为优秀的民族精神和以改革创新为优秀的时代精神，相辅相成，相互支撑。纵览古今，文化只有不断创新，才能充满生机与活力。中国传统文化底蕴深厚，悠久的文明进程留下了丰富的文化遗产。我们在上美术作品鉴赏教学时，要不断引导学生逐步形成敏锐的洞察力和乐于探究的精神，鼓励想象、创造和勇于实践，让美术教学在激发人的创新精神，发展动手能力和开发潜能等方面具有独特的作用。只有不断注入以改革创新为优秀的时代精神，才能使民族精神博采众长、日益丰富。

青年是国家的希望，民族的未来。我们人人都应该成为民族精神的传播者、弘扬者和建设者，共同续写民族精神的新篇章。

油画作品临帖欣赏范文 第十五篇

一、油画肌理的美感特征

二、油画肌理的表现形式、方法

油画肌理的表现形式、手法可以说是多种多样的，但主要有隐性肌理和显性肌理。隐性肌理需要借助一些必要的工具来发现，显性肌理在正常光线下能给人一种视觉效果的肌理。油画肌理的其他表现形式大致可以分为意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。意象肌理广泛用于油画的创作之中，将绘画的本质特征进行提炼，转换为油画善于表达的语言。抽象肌理是不再现所要表达的绘画对象，而是绘画者通过自己的理解、组织将其转化成另外一种表现手法，是一种抽象画的表现元素。具象肌理真实地反映绘画的对象形制，其肌理形式是如实地表现出纹理的视觉特征。油画具象肌理在写实主义里表现的比较多，也会借用其他材质来增加其质感的表现形式。材料肌理是利用不同材料的物理属性来表现的物理属性，所关注的是使用材料本身的特性。油画的表现方法有三种：直接绘画法、边画边做肌理、先涂底再绘画。直接绘画法是最传统的绘画方法，其绘画肌理效果也是最常见的。在绘图过程中肌理表现自然流畅，其肌理效果不会借助其他工具和材料；边画边做肌理是表现比较厚重感的画面时常用的方法。先画一层，再用画笔或刮刀涂上一层颜料，通过这种手法达到一种厚重的油画肌理；先涂底再绘画，一般是先用一些凝固快的材料来做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再绘图。

三、油画创作过程中肌理的运用

笔者在油画创作过程中也会运用一些肌理来增加油画的质感，但是总体目的就是使得画面形成一种整体关系。绘画时，在传统油画的肌理效果基础上进行肌理制作更是自由，可以不断尝试利用各种新材料、新技法来制作油画肌理。不过这些都源于制作肌理的材料多样化，如赤铁粉、锯末、玻璃、石灰粉等均有使用。多种多样的材料可以说绘出了千变万化的油画肌理效果。例如，笔者在油画创作实践中，使用丙烯或丙烯塑形膏和优化颜料一起制作画面肌理效果，由于丙烯易干，在创作时还可以在颜料里面掺入沙子、锯末等材料制作更夸张的肌理效果，以求得之前创作时未得到的油画肌理效果。综上所述，在油画创作中肌理是一种重要的绘画语言。笔者在绘画创作中，通过利用新材料、表现手法使作品更具有奇特的肌理效果，注重突出艺术精神内涵。笔者认为，在创作过程中，除了自己熟练掌握一些肌理处理方法外，还要时刻汲取传统艺术的精髓，要学会不断和自己的创作相融合。油画虽然是从西方传入中国的，但是通过国人的不断学习、创新、改进，已经有很多优秀的、独特的绘画作品被创作出来。

油画作品临帖欣赏范文 第十六篇

摘要：

小学是学生刚刚进入学校学习的第一个阶段，因此对各学科的学习都有一定的探索欲望。教师要抓住学生这种好奇心，引导学生开展独特有趣的课堂学习，构建有活力，充满趣味性的现代化课堂。小学生对美术有着天然的兴趣，他们喜欢用画笔来表达自己的思想，描绘自己喜欢的图景，基于此，教师要通过多种手段与方式，提高小学美术课堂的教学效率，让学生在学习中开拓思维，提升创造力和想象力。

关键词：小学美术 高效课堂 教学研究

在传统的小学美术课堂上，教师只是运用画笔画一些简笔画，然后让学生进行临摹，这不但没有激发出学生的学习热情，而且压抑了学生的个性化成长，基于此，新课标中指出，小学阶段的美术学习需要教师改变以往的教学策略，激发学生的学习欲望，提升学生的创作力，注重多元化的引导方式，以此构建高效的课堂教学方案。

1、教师具有新的小学美术课堂教学理念

先进的教学理念是构建高效课堂的重要组成部分。在课程改革的基础上，新课标对小学阶段的美术教学提出了要求，要求教师对自己的课堂教学进行重新的审视，创造出有活力的美术课堂。在这方面首先需要教师有先进的教学理念，注意对学生培养方式的改变，美术学习不同于其他学科，它不需要死记硬背的理论知识，只需要学生进行大胆的想象和创新，把自己的想法勇敢的表达出来。教师要对传统的教学理念进行更新，注重对小学生美术方面人文素质的培养以及美术知识掌握量的提升。教师要充分认识到，小学阶段的美术教学主要针对学生的审美能力以及想象力和表达力的教学，侧重对学生创新能力的培养，不压制每一个学生的自身个性。在新课标的引导下，教师对小学美术进行教学必须建立在学生兴趣的基础上，让学生对一些问题进行自主探究，增加学生个体之间的合作能力，对学生的学习体验进行掌握，只有这样，学生才能通过不断的美术实践，提升美术绘画能力。教师的教学理念是指引教师教学活动的方向标，在新的美术课堂上教师要对自己的角色进行定位，明确自己的主导地位，而课堂的主体是学生。教师要改变以往自己高高在上的地位，树立起与学生平起平坐的意识，同时积极的参与到与学生的教学互动中，教师和学生共同学习，能够激起学生的学习情绪，同时让老师体会学生的学习感受[1]。

2、教师要激发学生美术学习的兴趣

小学美术教学的主要教学目标就是让学生通过学习来展现自己的能力，提升自己的审美意识和陶冶良好的道德情操。基于此，教师在教学过程中需要了解学生的思维形式，尊重学生的成长个性。小学美术学科有几大特点，第一是对绘画的线段使用以及色调使用进行讲解;第二各种绘画都让学生进行大胆的想象，减少绘画约束，注重学生主观性的表达;第三，在绘画中学生可以更加随意地表达自己的思想，尽可能的展现自己的夸张思维，创造出奇特的绘画作品。因此，教师要卓有成效的将上述几点重点把握，减少对学生各种条条框框的约束就能够最大限度地激发学生的学习兴趣，使学生喜爱美术课堂。另外，教师还要对学生的美术作品进行全面的评价，不能从传统的从学生作品与课本作品的对比度来评价，在创造出新的评价办法，着重考虑学生绘画作品中所蕴涵的丰富想象力和事物表达力，这样才能激发学生的创作灵感，让学生更加自由地进行创作。小学阶段的学生想象力比较丰富，若教师能够对其进行正确的引导就会最大限度激发学生的绘画兴趣，从此能够主动绘画，喜欢绘画[2]。

3、运用最新的教学方法，创设美术教学情境

小学生很容易受到课堂气氛的感染而进行各种学习活动，针对这一点，教师要为学生创设相对宽松、活跃的学习环境，利用最新的教学方法。随着科学技术的迅猛发展，多媒体教学已经成为目前较为先进的教学方式，它改变了传统教材过于枯燥、单一的现象。多媒体教学方式集合了图片、声音、视频等等方式，为学生的美术学习增添了不少乐趣，受到广大教师的欢迎。利用多媒体讲述美术知识，需要教师精心地设置教学情境，让学生的注意力从别处转移到美术学习中去，最大限度地利用有限的课堂时间，创造出无限的课堂价值。教师在创设教学情境时要充分考虑学生的学习实际，仔细推敲创设教学情境所能够引起的教学价值，不能单纯的为了谋和新的教学方法，各种教学都要设置教学情境。首先，在课堂导入上。教师在开始一节课之前，用影像或者视频的方式导入课堂材料，让学生在充分了解课堂学习目标的基础上进行美术作品分析，这时教师可以让学生进行大胆的想象，勇敢说出自己对作品的看法，鼓励学生对作品所包含的思想进行研究。与此同时，教师要尊重学生的想法，不能随意驳斥，损害学生的学习信心。其次，美术也包含了其他学科的学习，教师可以在课堂上为学生展示多种真实的美术图片，让学生对其有初步的认识，然后通过自己的记忆和想象去创作，让学生感受绘画的的深层次魅力。同时，教师为了拓宽学生的美术视野，还可以带领学生参观各种美术展览，提升学生的美术修养和艺术修养[3]。

4、鼓励学生进行自主学习

自主学习模式对各个学科都起到了非常有效的作用，因此，教师在课堂上要注意对学生自我学习能力的培养，在小学美术课堂中，教师要积极主动地激发起学生的学习情趣，然后让学生自主探究美术中所蕴涵的知识点，提升学生欣赏美术作品的能力。教师要鼓励学生大胆进行创作和交流，勇敢说出自己对美术学习的见解，这些都是教师提升课堂教学效果的办法。

5、结语

综上所述，本文对小学美术课堂有效性教学进行了分析，提出了具体的办法，希望在以后的美术教学过程中，教师能够清楚地意识到学生的特点和教学的目标，然后为自己的课堂有效性教学提供思路。

参考文献：

[1]王冬红.追寻课堂教学的“真”———小学美术课堂教学有效性初探[J].新校园(理论版),2011(3):115-116.

[2]王志峰.浅议小学美术课堂教学有效性的提升路径[J].读写算(教育教学研究),2011(54):142.

[3]郑万余.有效互动智慧生成———如何提高小学美术课堂教学的有效性[J].都市家教：上半月,2012(4):78-78.

油画作品临帖欣赏范文 第十七篇

摘要：

教学中的任何一种艺术形式都包含着特定的情感，美术作为一门艺术，在教学时要注重对学生的情感培养，提升学生的审美意识，美术教师要给学生提供更多的实践机会，增强学生情感体验。在现代教育理念指导下，美术教学需要创新和变革，用其独特的优势去感化学生，实现美育的目的。本文旨在分析如何在美术教学中对学生进行情感的培养。

关键词：

美术课堂 教学情境 情感培养

在美术教学中，教师既要侧重美术的艺术表现能力，又要注重对学生的情感教育，利用多种教学方式激发学生对美术课堂的兴趣，才能够顺利地完成课堂教学，收到良好的教学效果。在美术课堂上，学生首先要有感受美和欣赏美的意识，才会渐渐地产生创造美和品味美的技能。情感是人们对客观现实的一种特殊反映，情感教育可以反映出学生在学习美术过程中的精神世界，也可以反映出美术教师的情感投入的程度。美术教师在实际工作中要利用情感的功能去激发学生参与到美术课堂中，培养他们绘画的兴趣，由此可见情感教育的重要性。

自从新课改以后，美术教育就把价值观教育和情感教育作为重点教学内容，也成为美术教学的一大亮点。学生在学习绘画时表现出来的情感将成为激励学生前行的动力，需要美术教师的支持和鼓励。但是现在的美术教学还是以学生的绘画技巧和水平高低来评价学生，对学生的情感教育和审美培养少之又少，不利于学生的成长和发展。要想改变美术教学的现状，就必须要充分发挥美术教师的作用，调动课堂氛围，更新教学观念和教学方法，在美术教学中渗透情感教育。下面我将对如何在美术课堂培养学生的情感做出研究。

一、师生之间加强情感交流，使学生对教师产生信任

油画作品临帖欣赏范文 第十八篇

【摘 要】今天的造型艺术，以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛，令我们的视觉神经得不到片刻的休息。艺术教育应该走在时代的前沿，因为艺术具有前瞻性，线作为最基本的造型手段，作为艺术教育的基础，怎样与时展相适应？本文对此进行了分析。

【关键词】线美术作品功能审美 特征

在三维空间中，线是塑造形体的外轮廓线和标明形体内部结构的结构线。所以，线在造型中具有很重要的作用。线条能表现为一种心理和情感的效果。水平直线给人以平静、沉稳、舒展、安宁的感受；垂直线给人以挺拔、刚毅、庄严的感受；自由曲线给人以自由、活泼、流动与愉悦的感受。此外，线条还能表现出一定的空间关系。例如两条粗细不同的水平直线位于同一平面时，粗的线使人感到它离人比较近，细的线则使人感到离人比较远。以线条作为最基本的造型手段的中国传统绘画，在运用线条这一艺术语言方面积累了极其丰富的经验。例如，以墨线勾描物象、多不着色的白描，仅凭简练的线条就可创造出动人的艺术形象，如宋代著名的《朝元仙仗图》，或称《八十七神仙卷》。中国古代人物画创造的“十八描”就是为了表现中国古代人物衣物褶纹而创造的用线方法。

线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中。“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。

在要讲用“线”，以至“线”这一中国传统绘画主要的“表现手段”的确立。这不得不提到“北宋”的大家李公麟，他把唐宋以前的线描粉本式的，严谨、规整进行升华、演变。并接受了晋唐顾恺之、吴道子细“笔游丝描”的传统基础上，又能把“方折挺劲”的铁线描有机地融合进去，形成自己的新风格，使线描的表现力向前推进了一大步他的重要作品《维摩像》中，可以看到他在人物画用笔、用线上娴熟、洗练的功力。后来也影响了一大批有作为的名家，如元代赵孟?、张渥、明代画家丁云鹏、陈洪绶、清代任渭长、任伯年，尽管他们各有其独特的创造，但都是以李公麟开创的线描和白描形式为滥觞（即事物的起源）。包括南宋创立减笔水墨画技法先河的梁楷，也是受李公麟晚年减笔人物的影响而成就的，其丰富的用笔为后来的写意人物，“线”的发展奠定了基础。

在长期的美术发展中，“线”作为美术家创作形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。在美术作品中，线有极强烈的直觉暗示力量，如李可染曾说齐白石的草虫“那两根敏锐的触须，真有一处即动的感觉”。马蒂斯说过，他的素描只存在于一鼓作气的线条对比所作的空间分割和由此表现的情感在观众中唤起的共鸣中。这又是说出了线在构筑空间和表达情感时，运用起来表现力多么丰富。古瓷上的龟裂纹，是线的自然构成，那分割出的疏密参差、变幻不定的小区域的几何形象，却有着十足的神秘韵趣。明式家具以简练的线体切割了空间，显得大度、豪壮、洗练、富有生机，体现着人的尊贵。

线已成为画家绘画的“特定符号”，线的面貌也就决定了艺术家的面貌。我们可以看到李苦禅的线与潘天寿的线之韵味分割相差甚远。线是画家们之间绝不会混淆的个性显示。安格尔曾说“线条就是素描，就是一切”。德加喜欢纤细连贯而清晰的线条，认为这种线条是高雅风格的保证，是实现他所欣慕的那种美的唯一方法，线条成了他的欲望。xxx、马蒂斯都用线创作了大量动人的佳作。艺术家们喜欢线，是因为线把世界和生命最辉煌最美好的瞬间那样快捷，那样概括，那样灵便，那样富有意味地凝结在自己面前，会得到无可比拟的创造的畅快与喜悦。再则画面线的组合全靠“气韵”的统摄作用。所谓“气韵”者，是指画幅线条形状和谐，大致要在两个方面实现：一是气贯，解决线在使用时可能出现的“单兵作战”的孤立感，组织好各种线的复合变化，注意线的走向，不杂乱，似以气脉贯通，有线处气脉相连，无线处也要意气相承，虚实相生。气不足、不周，神韵乃去。另外节奏、节律是事物发展过程的反映，画面中一条线、一组线都应有起始、发展、终止的节奏和律动，有旨意的变化。臻于好些，雅韵乃扬。

中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能。画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采（在表现物象的同时，还传达出入的情绪），传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。

由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出。

对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。

现代艺术的重要特征之一就是其实验性。实验精神的具体方法与途径：一方面是材料应用的可能性；另一方面是视觉心理接受的可能性，从这两方面入手可以大大拓展我们的视觉空间。没有实验精神就不会有所突破，墨守成规的技术训练谈何创造？

开放的社会需要开放的艺术，开放的艺术需要开放的思想。实验性是向未知挑战，是面向未来。

油画作品临帖欣赏范文 第十九篇

与印象派之后画家不同，古典画家基本上都偏向于赞助人完成订件。如果买卖中一方说话不算数，画家就不会再消耗功夫在这方面，毕竟艺术家需要新的订单佣金来支撑生活。一般来说，古典油画大师们留下了没有完成的三种作品：一是处于底稿阶段的状态，如《圣芭芭拉》《Harlequin》和《未完成自画像》；二是画面局部或大多已经接近完成，剩余部分为底稿阶段，或者有的只余下轮廓的底色，像米开朗琪罗未完成木板蛋彩画《曼彻斯特圣母》和《埋葬基督》，以及雨果·凡·德·古斯的《圣母、圣子与圣多默、圣若翰施洗者、圣叶理诺及圣路易》；三是还有一种为已经完成底层绘制，比如，鲁本斯、布鲁盖尔的个别作品。正是因为有了各位大师们未完成的作品，才为我们揭示了大师绘画色层的几种状态。仔细观察欧洲古典大师达·芬奇、米开朗琪罗、扬·凡·艾克、蓬多尔莫、丢勒，直至当代画家xxx和弗洛伊德等画家的未完成之作，都是勾勒处理好基本造型后，然后以局部推进的方式进行深入塑造。例如，在18世纪，德国画家安东·拉斐尔·门斯创作的一个抱着小狗的“贵妇肖像”，其中人物的衣着几乎全部完成，华贵的衣裳也展示得熠熠发光，但是，人物头部才开始进行了基本肤色和光影的刻画，还有人物的“五官”仅仅有隐约朦胧的轮廓，对宠物狗的描绘也只是停留在了勾画好了的外形上面而已。丢勒作品《SalvatorMundi》完成度与之接近，油画中人物衣服的塑造也已经完成，人物脸部和手部以及手部上面的透明球体尚待进一步绘制表层颜色。如果说，这两位画家都是德国画家，二者有着相同的绘画系统，那么现代主义艺术大师xxx的《Harlequin》却也意外地以传统线影法先完成了欧洲古典油画中人物的塑造，也有一部分画家以直抒胸臆的笔法，直接使用油彩，粗略地勾划、铺设色彩，比如，马奈、柯罗、丁托雷托等大师均是如此。不难发现，通过对欧洲古典油画家未完成的作品的直观观察，再透过现代科技手段对古代作品的局部颜料颗粒做显微观察，则可以发现欧洲古典油画大师们绘画手段是以各种手法步步为营、层层铺垫，通过上下色层的主动叠加，进而达到最终画面需要的完美效果。实际上，这些色层的叠加，基本上都是以“三层”“四层”为主，这些色层的叠加大多数也是干燥之后的覆盖，并随着画家技艺的熟练而使一些色层能够趁湿完成。

油画作品临帖欣赏范文 第二十篇

欧洲古典油画的技法基本上都呈现出比较单一的倾向，以简约风格为主，采用了两个重要的方法：一是“丹培拉”画法，二是“演变”的直接画法。对于“丹培拉”的画法而言，它可以说是最为古典的油画画法技巧，主要是通过鸡蛋清和但马胶进行融合，即通过间接的手法进行调色。比如，在有色底上提白，以便实现“素描”效果，再进行反复的色彩罩染处理，而到了最后也逐渐出现了直接调色的作画技巧。大体上讲，欧洲古典油画具有四大基本特征：一是“写实”画法的运用，即所画作品的事物与实物基本类似，仅仅依靠“光”和“影像”来稍作修饰；二是“大色块”的色彩表现，即常常采用鲜明的民族风格进行绘画，把关注的重心由对整体的关注转移到了对局部的关注；三是“细致”的笔法运用，即对局部事物呈现的笔触处理非常谨慎，每一笔都极其细致，容易集中“色块”，使色彩在画面上很具有整体感，从而让物象更具有焦聚感，显得更加形象、逼真；四是坚持“以写实为主”的绘一理念，让古典油画创作更加接近现实生活，以此从现实生活中发现艺术，强调了对“真实存在事物”的临摹，不再以“写生油画”为主，开启了欧洲古典油画创作形式的新纪元。从欧洲古典油画的基本特征可以发现，其在有限的技术条件下，所产生的人类智慧是不可估量的，其艺术传承价值也是不言而喻的。

油画作品临帖欣赏范文 第二十一篇

一、油画语言是画家表达审美情意的一种工具

油画语言的表达的历程即是油画艺术的发展变化。一种艺术语言的转换，在一定程度上影响到人们的思维方式，并进而转变了人们的观察方法和审美理念，从而不同程度地推动了其自身的发展。是画家进行形象思维并把这种思维转化为无声的东西的手段。艺术思维是注入艺术家个性的思维，想法的不同在相当程度上决定着油画表达的个性，所以，一个没有独立思考能力的人，一个不会用自己的眼睛去观察，不会用自己的头脑去认识世界的画家，他的绘画语言最多是熟练和模仿，熟练地陈词滥调和鹦鹉学舌，是画不出优秀的、新颖的、独具个性的作品的。在艺术多元化的世界文化发展的进程中，艺术个性得到了拓展，绘画语言也随之得到了发展，油画语言表达体现了画家个性特质和审美倾向。在语言的运用上，因受不同的因素的影响，而形成的以不同特色的语言形式反映在画面上的特性。最后通过艺术家品性、不同的生活环境在各画家油画创作中的体现也有所不同，就形成了不同风格。事物是画家所存在的这个真是的世界，油画语言是画家的精神追求与情感表达的方式，通过某种艺术语言形式的展现，在油画作品中呈现的油画语言作为审美符号所出现。把客观事物通过油画语言所展现，通过心灵对外界的感性把握，使其具有精神思考与启迪的特点。印象派时期的大师梵高，他的油画作品《麦田与收割者》他试图用色彩去揭示精神，用了很耀眼的金灿灿的黄色来表达收割时人们喜悦的心情。用短而有力的笔触来传递那种收获的情感，在他笔下那强烈的色彩清晰的点旋转运动和夸张的变形的形象作画更生动了表现了他的作画心情和他要表达的情感。

二、艺术个性已经成型的画家

他的绘画语言已经形成了独具风格的艺术特色。艺术风格的形成，除了画家的自身知识素养之外，主要靠平时的生活的积累与艺术的实践，只有这样积累生活，在发现与表现人的思维的时候时，才能认艺术的独特性对于一个画家的重要，包括自己用怎样的绘画语言以表达自己所获取的审美语言又用怎样的方式。当代画家任传文的作品大多冷色调，清雅、静谧，充满童真与性灵的悸动，般若禅意的流贯。《秋声》是早期代表作，此时造型工整细致，但手法已体现出精神性探索。画面上方，一线风筝逸出蓝空，两旁鱼儿般云朵满怀意趣；中间，幽蓝湖水，倒映黄树林，左侧红砖房，前边白褐树，每一笔通灵般描绘细致；一男孩手举纸风车，奔跑于金灿灿路上，这儿时，旋转画布上，竟有莫名喜悦与感动。我认为画家存在的意义是画家不仅仅能够在平凡淡泊的岁月里和司空见惯的事物中唤出某些心灵深处的特别的情感，而更在于他能够在其中发现一种崭新的艺术语言，并不遗余力地去实现它。任传文先生就做到了这一点。他的每一幅画都是一个真实情感以一种与之相吻合的特别形式的袒露，形成了他独具特色的艺术语言。在笔者多年的习画过程中，当然也有自己的看法，要形成自己的绘画语言，也离不开借鉴，模仿为了学步，一旦能独立行走，掌握了方法，就应当抛弃掉。甚至有意回避掉。绘画中的个性不是绝对的以自我为中心，绘画语言也不能特殊很神秘或没人知道。我们所提倡的艺术个性，应与人民大众的审美要求相契合。每一个艺术创作都是时代的产物，都遵循着某种艺术原则，适应人的审美需求。艺术家拿出自己对生活的看法，通过艺术思维转化为绘画语言。绘画语言既是表现对象、表达情感的手段，也是画家和观者审美交流的桥梁。要使画家在思想感情上发生共鸣，进行心与心的交流，这种共鸣和交谈应该是独特的，是积极向上的、健康的、真挚的、高尚的。画家不可能和所用的观者产生共鸣，因为每个人的兴趣爱好，审美，艺术素养，欣赏习惯都是不一样的，画家永远不可能也不必要去追求人人满意的绘画效果，要争取人们热爱生活和艺术的绘画效果。艺术家应该是时代的领航者，他有义务提高和引导观者审美能力和趣味的责任，通过自己的语言传出画者的心声。

三、结语

综上所述，只要你热爱生活，热爱艺术创作，热爱这片土地，永不停歇的去探索属于自己的绘画语言，属于你自己的艺术特色，我相信你一定能画出只属于你自己的独具特色的为人所欢迎的画作。

油画作品临帖欣赏范文 第二十二篇

摘要 高中的美术课程是集应考和鉴赏为一体的教育，虽然外向的应考作用可以使学生更好的掌握美术绘画方面的技能，但是内向的美术审美鉴赏能力则更为重要。扩大学生美术方面的知识面，树立良好的审美意识，形成完善的审美心理结构，对学生的综合素养的提高极为重要。美术鉴赏可以促进学生艺术修养的提高，使学生的身心健康得到更好的发展。

关键词 高中美术；教学；鉴赏能力

一、前言

高中美术教学活动最基本的任务就是培养学生有一定的美术素养，进而掌握一定的美术鉴赏能力，这是学生在创作和设计等活动中必须具备的能力。美术课程的重要价值首先就表现在可以陶冶学生的情操，提高学生对美的敏感度，进而提高他们的审美能力，最终达到学生对自然与生活的热爱还有责任感。美术鉴赏能力不是一朝一夕就能锻炼达到的，需要教师和学生在学习活动xxx同完成，在欣赏和创作美术作品中潜移默化的完成。

二、提高学生美术鉴赏能力的原因

1.学生在美术课堂上存在对美术的误解

高中新课改以来，为了改变学生直线条的思维方式以及教师单纯的教授学科知识等情况，美术课程目标划分了创造、设计、鉴赏以及探索四个阶段和领域，为的是使学生能够多角度综合的了解学习美术课，提高学生的各方面能力和综合素养，但是研究发现，这四个阶段和领域中，学生对鉴赏几乎没有什么兴趣。大多数学生对美术课的理解就是教师教他们怎么学会画画，他们对美术的范畴几乎不了解，对高中美术课中的鉴赏课也缺乏印象。

2.学生学习美术课时丧失兴趣

兴趣是最好的老师，这是所有为人师表的教师都知道的至理名言，但是现在的高中生对美术鉴赏课几乎毫无兴趣，使得提高学生的美术鉴赏能力成为不可能完成的目标。其中的原因不外乎有三点：首先是，家庭教育因素，学生在很小的时候，家里的父母就告诉孩子美术就是画画，在孩子画的好的时候给予鼓励和奖赏，误导了孩子对于美术概念的判断。其次是，教师虽然在努力执行新课改的各项任务，但是几十年如一日的教学模式已经让教师很难改变过来，陈旧的教学模式导致课堂气氛沉闷，不能激发孩子们的兴趣，甚至讨厌美术课上的理论知识讲解。最后是因为学生对美术鉴赏课了解甚少，认为那是一种高不可攀的境界，自己是不可能掌握这样高雅的鉴赏能力的，信心的缺乏也是学生缺少兴趣的原因之一。

三、培养和提高学生美术鉴赏能力的方法

1.教师作为教学的主导，应强化理论学习，提高综合素养

美术鉴赏课需要教师拥有良好的系统的与美术有关的史学知识和美术专业知识，美术教师在课堂上作为主导，本身就应该具备扎实的美术功底，广泛涉猎自己的专业知识，提高自己的专业水平，丰富自己的知识体库。不断的学习和强化自己的理论知识，厚积薄发，才能在课堂上游刃有余，将美术课上的有声有色，激发学生的兴趣和好奇心。审美教育需要仰赖教师的综合素养，教师只有将自己装备好，才能带给学生以美的感悟和体验，启发学生，让学生学会自己探索审美意识，建立审美观念。美术老师要根据学生各个阶段的认知规律因材施教，让学生发现、欣赏和创造美。

2.联系历史实际，发现作品中的美

高中的美术课强调美术作品的人文性质，要重视美术和生活、美术和历史文化的关系，教师在课堂上应该注重创设情境，针对教学过程中的美术作品，可以用与作品相关的历史故事、音乐或者其他材料进行教学，让学生能感受到作品中的审美意境，体悟作品包含的精神。在有限的美术教学时间里充分激发学生的人文情怀，引导他们树立美术鉴赏能力的观念和意识，然后让学生自己发现作品中的美，进而发现生活中的美，最后自己欣赏美和进行艺术创新。

3.善于运用多媒体工具进行教学

油画作品临帖欣赏范文 第二十三篇

高中美术课根据新课程要求，在高一选修美术鉴赏，而美术鉴赏就是对美术作品进行鉴别和欣赏，就是对美术作品进行评价。我认为，评价美术作品的标准有两条，一是美术作品的精神内涵，二是美术作品在艺术表现上的高度和深度。所谓精神内涵，就是指艺术家在这幅作品中所要表达的思想、愿望以及象征意义、喻意等等，是这幅作品的中心思想，是艺术家的情感表现。所谓美术作品在艺术表现上的高度和深度，就是从艺术本身的角度来研究作品所处时代的影响力，指的艺术符号、艺术语言按照一定的美学形式、运用一定的艺术技法所表现的作品在当时具有最高艺术表现形式和方法。 精神内涵是艺术作品的最终目的，是艺术家与欣赏者交流所要达到的心灵共鸣。评价一件美术作品，只有了解作品的精神内涵，才算真正读懂了作品，真正理解了作品所要表达的意思。精神内涵的表现又必须借助艺术表现的高度和深度所造成的震憾力，影响力，才能引起欣赏者的共鸣。美术作品在艺术表现上的高度和深度，是欣赏者评价的主要内容，是谈论最多的，也是很多艺术家评论艺术作品的重点内容。 精神内涵和在艺术表现上的高度和深度是对美术评价标准的高度概括，在不同的时代、不同的区域;不同流派、不同风格的艺术作品，它们只是在艺术表现方式上的不同偏重而已，是对精神内涵和艺术表现的某个方面进行强调或追求，是对艺术表现上的高度和深度的具体化。 在中国古代的绘画作品中，其最具影响的评价标准和重要的美学原则是南齐谢赫在《画品》著作中提出的六法论，即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写。六法论提出了一个初步完备的绘画理论体系框架----从表现对象的内在精神，到用笔刻画对象的外形、结构和色彩，以及构图和摹写作品等进行系统的描述。其中气韵生动是流传至今的最高标准之一。纵观六法论，其实质就是对“艺术表现上的高度和深度”的具体化。唐朝画史著作朱景玄撰《唐朝名画录》以神、妙、能、逸四品评价。这些也是对艺术表现的高度、深度的变化和拓展。不管是六法论或是《唐朝品画录》的四品评价，其艺术表现都可以简单概括为四个字“形神兼备”。只要具有“形神兼备”的艺术形象，再加上作品的精神内涵，就是一个完备的艺术评论了。 工艺美术、雕塑、建筑等的评价中同样离不开“精神内涵和在艺术表现上的高度和深度”两方面。它们在追求形式的美感，线条的生动性和节律感等都是在艺术表现的高度和深度上做文章。 要了解一幅美术作品的精神内涵和在艺术表现上的高度和深度，不能用我们当代的眼光、技法和能力去评判，要用历史唯物的观点去看待，还必须将其置于作品产生的时代环境之中，去了解所表现的对象，了解艺术家与时代环境的关系，懂得它是在什么样的社会背景下产生出来的，还要了解它所使用的艺术语言、表现技巧等。比如，在鉴赏高中教材美术鉴赏第一课的古代岩画《放牧图》时，如果用现在的技法、现在人们的能力去评价的话，就是一幅很糟糕的作品。有的学生就作出这样的评价“这幅作品很不好”，原因是“还没我画的好”。 这样的评价虽然不能说错，但是很肤浅，是正确而肤浅的评价。如果把它放在当时的时代，其结果就完全不一样了。这是新石器时代的作品。当时的人们从记数发展到用凿刻或绘制的方式制作在山崖岩壁上，已经是非常大的进步，是人类发展的伟大创举，是老祖宗智慧的结晶。因为当时的人们能够抓住动物的基本特征，作正侧面的描绘，已经是最大能力了，是当时的最高艺术表现形式，他们还没有描绘正面、立体的能力。常常有人不理解达芬奇的“蒙娜丽萨”为什么是世界名作，认为今天的人完全能够画出比她更好的画来。这种看法正是缺少历史唯物主义态度的表现。“蒙娜丽萨”之所以为世界名作，是因为就文艺复兴时代而言，她不但在技巧上是科学绘画的总结，也是文艺复兴时期人们审美理想的集中体现，是那个时代思想和技艺的高峰。因此我们在评价时，不能简单的评价好和不好，一定要将作品放在当时的时代中去研究它，评价它，这样我们的评价才有一定的高度，一定的深度。 美术鉴赏主要是对不同的作品进行比较、研究，并作出艺术评价的活动，那么怎样运用评价的标准对美术作品进行评价呢？首先，要收集艺术家和作品的资料。了解艺术家的年代、生长地方、艺术经历、师承关系、喜欢题材、思想内容、创作动机和艺术表现形式等。其次，与其他画家进行比较。是同门类或是不同门类;还要与艺术家不同时代的画家进行比较，找出他是什么门类，这个门类有何特点和发展状况，独创性如何，艺术水准高不高等。最后，作出有自己独创见解的评价。从精神内涵和艺术表现的高度和深度两方面进行分析评论，可以偏重于艺术表现的某个方面，谈风格、谈流派;谈技法、谈材料;谈内心世界和精神内涵。这样就能形成有一定深度和高度的艺术评论。 总之在美术鉴赏过程中，对美术作品进行评价，一定要将精神内涵和艺术表现的高度、深度有机的结合起来，才能作出全面的，完整的评价。只有精神内涵，艺术水准不高，不是好作品;只讲艺术水平，不讲精神内涵，也不是好作品。